MUESTRA ANUAL DE PINTURA DE ALUMNOS DEL TALLER
DESDE EL 15 AL 30 DE NOVIEMBRE DE 2011 EN:
GALERIA DE ARTE LARRETA, FLORIDA 971 ,CIUDAD DE BUENOS AIRES.
CLAUSURA: GALLERY NIGHTS
domingo, 16 de octubre de 2011
jueves, 22 de septiembre de 2011
La Bohemia de Montmartre,París.
Tuve el privilegio de poder pintar un tiempo en el mágico barrio de Montmartre,en París ,hace años ya, por los setenta y ...
No me voy a olvidar lo que sentí,espero poder transmitirlo en esta breve reseña y describirles un poco ese centro de reunión de pintores de todo el mundo.
Montmartre es uno de los barrios más visitados por el turismo. Montmartre, situada en Paris es una colina de 130 metros de altura , en el XVIII Distrito de esta ciudad.
Muy cerca de aquí se encuentra una de las iglesias más antiguas, la colina es Saint Pierre de Montmartre y fue fundada por la reina de Francia en el siglo XII.
Uno de los monumentos más concurridos de toda París: la Basílica del Sagrado Corazón,(Le Sacre Coeur), si lo habre pintado,uno ve esta hermosura arquitectonica,realmente bella y quiere si o sí pintarlo... La construcción comenzó en 1871 luego de la derrota francesa en la guerra contra Prusia y culminó en 1914. Dicho monumento tiene forma de cruz griega y su domo central alcanza los 80 metros de altura,a decir de todos los del lugar, el unico templo del mundo que admite todas las religiones, ojala sea asi.
A mediados del siglo XIX, artistas como Johan Jongkind y Camille Pissarro comenzaron a habitar Montmartre. Hacia finales del siglo, Montmartre y su contrapartida en la orilla izquierda, Montparnasse se convirtieron en los principales centros artísticos de París.
En La Bohème (1965), quizás la canción más conocida del cantautor Charles Aznavour, un pintor rememora sus años de juventud en un Montmartre que ha dejado de existir:
El museo de Montmartre se ubica en la casa donde el pintor Maurice Utrillo vivió, un estudio del segundo piso. La mansión principal en el jardín trasero es el hotel más antiguo del barrio. Uno de sus primeros propietarios fue Claude Roze, también conocido como Roze de Rosimond, quien la compró en 1860. Roze fue el actor que reemplazó a Molière y, al igual que su predecesor, murió en escena. La casa fue la primera residencia de Pierre-Auguste Renoir en Montmartre y muchos otros fueron viviendo en ella por el prestigio del primer inquilino. Justo al final de la colina, se ubica el museo Espace Dalí, donde se exhibe el trabajo del artista surrealista Salvador Dalí. En las cercanías se encuentran la Place du Tertre, donde los artistas realizan sus obras al aire libre, y el cabaret del Lapin Agile. Muchos renombrados artistas están enterrados en el Cementerio de Montmartre y el de Saint-Vincent. La película Amélie está ambientada en el Montmartre contemporáneo. Un tren funicular, el funicular de Montmartre, gestionado por la RATP, asciende por la colina desde el sur, mientras que el servicio de autobús la circunda. Colina abajo, hacia el sudoeste, se encuentra la zona roja de Pigalle. Esa zona en la actualidad es mayormente conocida por la amplia variedad de sex shops y prostitutas. También alberga gran número de almacenes especializados en instrumentos de música rock, así como varias salas de conciertos utilizadas para la música rock.
En la Rue Veron Nº 18 se encuentra el Hotel Clermont, donde residió Edith Piaf a los 14 años al separarse de su padre en 1929.16 Hace su propio camino como cantante en la calle Pigalle, Ménilmontant, y los suburbios de París (véase la canción "Elle fréquentait la Rue Pigalle").Alrededor de los dieciséis años cuando se enamoró de un chico de los recados, Louis Dupont.16 Poco después tuvo su única hija, una niña llamada Marcelle, que murió a la edad de dos años de meningitis.16
En este hotel son frecuentes las presentaciones de grupos de rock en las noches.
El barrio está declarado oficialmente distrito histórico.
En París,en Montamartre,gracias a una amiga en la embajada argentina pude disfrutar del olor a óleo,de los increibles colores,alla son increibles,de toda la bohemia de los artistas que son independientes, uno no existe, no existe nadie para ellos,solo su pintura a terminar.Lamentablemente regale muchos cuadros o nos regalamos entre mis vecinos pintores, algunos alquilaban de paso un espacio otros siempre vendían allí, unos para comer,otros famosos y ricos,pero bohemios hasta decir basta, pasando inadvertidos...
Allí ví su luz y comencé a encontrar mi estilo y a encontrarme a mí misma.Cuando llego a Argentina y sigo perfeccionandome en el arte con excelentes maestros,no dejo de añorar y valorar lo que aprendí en Montmartre,les aseguro que ningun premio, título o trayectoria lo igualan!
No dejen de ir si pueden y lo sienten y de alquilar un espacio y experimentar la verdadera pintura artística.
QUE BELLO ES PARÍS!!!!!
Hasta pronto amigos!
Prof. Claudia Nuñez
domingo, 18 de septiembre de 2011
EXPOSICION DEL TALLER DE ARTE CLAUDIA NUÑEZ DE SAN MIGUEL,BS.AS
EL DIA 15 DE NOVIEMBRE DE 2011 SERÁ INAUGURADA LA MUESTRA ANUAL DE PINTURAS Y DIBUJOS DE ALUMNOS PRINCIPIANTES Y AVANZADOS.
DICHO EVENTO SE REALIZARÁ EN LA GALERÍA DE ARTE LARRETA, FLORIDA 971,EN LA CIUDAD DE BUENOS AIRES,Y LA CLAUSURA PARTICIPARÁ DE LA GALLERY NIGHT DE NOVIMEBRE EL DÍA 30.
DICHO EVENTO SE REALIZARÁ EN LA GALERÍA DE ARTE LARRETA, FLORIDA 971,EN LA CIUDAD DE BUENOS AIRES,Y LA CLAUSURA PARTICIPARÁ DE LA GALLERY NIGHT DE NOVIMEBRE EL DÍA 30.
viernes, 22 de abril de 2011
EXPOSICION DE PINTURA ARTÍSTICA
EL GRUPO BUENOS AIRES'ART, FORMADO POR CLAUDIA NUÑEZ ,EXPONDRÁ PINTURAS DESDE EL 14 AL 31 DE MAYO DE 2011 EN GALERIA DE ARTE LARRETA, LOC.26,CALLE FLORIDA 971 ( ENTRE ALVEAR Y PARAGUAY)DE LA CIUDAD AUTONOMA DE BS AS, REPUBLICA ARGENTINA.
LA INAUGURACIÓN ES EL DÍA 14 DE MAYO DE 2011 A LAS 14.30 HS.LOS ARTISTAS EXPOSITORES SON:
PINTURA ARTÍSTICA:
OLGA BARCIA
VANESA CORREA
CRISTINA DUROCHER
ESTER GONZALEZ CAMPANELLI
CLAUDIA LESCANO
ALEJANDRA MOLINA
PROF. MARCELA NUÑEZ
PROF. CLAUDIA NUÑEZ
HELEN TASCA
Y ADEMÁS EXPONE SUS ENCUADERNACIONES ARTISTICAS EN CUERO, CARPINCHO, DORADO A LA HOJA, ETC:
DICKY WYSE
LOS ESPERAMOS!!!
ENTRÁ TAMBIEN A:
http://pinturasdeclaudianunez.blogspot.com
jueves, 27 de enero de 2011
MODELO VIVO .ESTUDIO DE LA FIGURA
A PARTIR DEL MES DE ABRIL DE 2011 EL TALLER COMIENZA CON CLASES DE FIGURA HUMANA CON MODELO VIVO.
TODOS LOS VIERNES A PARTIR DE LAS 15 HS
CUPOS LIMITADOS ......claudiaarte@hotmail.com .........
TODOS LOS VIERNES A PARTIR DE LAS 15 HS
CUPOS LIMITADOS ......claudiaarte@hotmail.com .........
viernes, 24 de diciembre de 2010
FELIZ 2011!!! FOTOS MUESTRA ANUAL DEL TALLER 2010
EXPOSICION DE TRABAJOS DE ALUMNOS NIÑOS Y ADULTOS 2010 DEL TALLER DE ARTE CLAUDIA NUÑEZ. FUERON EXPUESTAS UNA SELECCION DE 45 OBRAS
TRABAJOS EN ÓLEO DE : Alejandro De Fillippo "Marylin ", Vanesa Correa, Ester Gonzalez Campanelli, Camila Munin "Cuencos" óleo ( 10 años), Claudia Lescano, Lorena Galarza, Olga barcia, Alicia Levequi,Dicky Wyse,Raul Sanchez, Pablo Martinez, Bruno y Joaquin Ramirez,Monica Morejon,Mirta Re,Artistas Invitados: Alumnas de Marcela Nuñez del taller de Mar del Plata e Integrantes de APAD.Apertura : Duo de Canto ALLERIA
Degustación de licores artesanales de Marita Wilson en la Casona Bella Vista Cultural ,Richieri 663 de Bella Vista el dia 3 de Diciembre de 2010
PARA TODOS LOS AMIGOS QUE SIGUEN EL BLOG, ARTISTAS, GALERIAS , ALUMNOS Y ENTIDADES LES DESEO UN MUY BUEN AÑO 2011!!!
EL 8 DE MARZO DE 2011 REINICIAREMOS LAS ACTIVIDADES EN EL TALLER DE SAN MIGUEL CON PINTURA Y DIBUJO ARTISTICO PARA NIÑOS Y ADULTOS, ESTE AÑO CON VARIAS NOVEDADES:
EN CADA CLASE INCORPORARÉ 15 MINUTOS DE TEORÍA Y ME VERÁN PINTAR O EXPLICAR MEDIANTE MI TRABAJO UN TEMA REFERIDO AL DIBUJO O A LA PINTURA ARTISTICA TANTO LOS NIÑOS COMO LOS ADULTOS, ADEMÁS DE PINTAR COMO SIEMPRE LO QUE DESEEN A CONTINUACIÓN.
TAMBIEN TENDREMOS MODELO VIVO PARA COMPLETAR EL ESTUDIO DE LA FIGURA HUMANA QUE COMENZARA EN ABRIL DE ESTE AÑO.
NOS VEMOS LUEGO DE LAS VACACIONES ! FELICIDADES A TODOS!
PROF. CLAUDIA NUÑEZ
lunes, 8 de noviembre de 2010
INFORMACIÓN DEL TALLER-
MES DE NOVIEMBRE 2010:
21 DE NOVIEMBRE: FIESTA ITALIANA Y BENDICIÓN DE IMAGEN, EN HONOR A LA ENTREGA DE OBRA AL ÓLEO DONADA POR CLAUDIA NUÑEZ DE SANTA AGATA DE CATANIA
MES DE DICIEMBRE DE 2010:
03 de diciembre: a las 19 hs INAUGURACION DE LA MUESTRA ANUAL DE ALUMNOS DEL TALLER DE CLAUDIA NUÑEZ.
EXPONDRÁN ALUMNOS ADULTOS, ADOLESCENTES Y NIÑOS ( APARTIR DE LOS 7 AÑOS), DESTACADOS .
MI TALLER :
ESTÁ DEDICADO A TODO AQUEL QUE DESEE EXPRESARSE CON LA TÉCNICA QUE ELIJA : (ÓLEO,PASTEL, LÁPIZ,CARBONILLA,ACRÍLICO,ACUARELA,TECNICAS MIXTAS Y DE VENGUARDIA).
COMO ES UN ARTE VISUAL, MI MISIÓN COMO MAESTRA DE PINTURA Y DIBUJO ES ENSEÑAR A MIRAR O "VER" LO QUE NO SE VÉ...A SIMPLE VISTA.
PIENSO QUE ESTO ABARCA MIRAR ADENTRO MÍO YA QUE SOY ÚNICO E IRREPETIBLE , POR LO TANTO MI OBRA DEBE SER ÚNICA E IRREPETIBLE.
CREO QUE PARA LLEGAR A ESTO, QUE NO ES SENCILLO, DEBO PASAR POR UN APRENDISAJE QUE TARDARÁ DE ACUERDO A MI LIBERACIÓN INTERIOR DE LO EXTERIOR. ES DECIR QUE PARA HACER ARTE, DEBO SIEMPRE VER DE ADENTRO HACIA A FUERA Y NO DE AFUERA HACIA A DENTRO.
LOGRO UNA BUENA PINTURA O UN BUEN DIBUJO LUEGO DE MUCHA PRÁCTICA, CUANTO MÁS PINTO,LO QUE SEA, Y CUANTO MÁS DIBUJO, TAMBIÉN LO QUE ME DÉ LA GANA,MÁS FIJARÉ CONCEPTOS Y "ABLANDARÉ LA MANO" PERO..
PIENSO QUE DISFRUTAR CADA PINCELADA Y CADA TRAZO , ES MÁS IMPORTANTE Y GRATIFICANTE PARA UN VERDADERO ARTISTA QUE MOSTRAR EL TRABAJO AL PÚBLICO O QUE LOS GALARDONES...NO PASAMOS EXAMEN CON NADIE! NI CON NOSOTROS, EL ARTE ES ALGO LÚDICO Y ME DEBO PERMITIR DISFRUTARLO.
COMO DIJO SALVADOR DALÍ:" !!!PINTOR... PINTA!!!"
DESPUÉS DE 25 AÑOS DE ENSEÑAR A PINTAR Y A DIBUJAR LES PUEDO ASEGURAR QUE TODO ESTO SE PUEDE!!!
SALUDOS A TODOS .LA PROFE CLAUDIA
viernes, 29 de octubre de 2010
MUESTRA ANUAL DE PINTURA DIBUJO Y CARICATURA
MUESTRA ANUAL DEL TALLER DE ARTE CLAUDIA NUÑEZ 2010
DESDE EL 3 AL 17 DE DICIEMBRE SE PODRA VISITAR LA MUESTRA ANUAL DE ALUMNOS AVANZADOS DEL TALLER, DIBUJO Y PINTURA ARTISTICO, CARICATURA Y FIGURA HUMANA, EN BELLA VISTA CULTURAL, RICHIERI 663 BELLA VISTA, PCIA. DE BS .AS
PINTURAS Y DIBUJOS DE NIÑOS Y ADULTOS
EXPONEN:
OLGA BARCIA: ÓLEOS CON ESPÁTULA.VANESA CORREA : FIGURA HUMANA HIPERREALISTA ,ÓLEOS.RUBÉN CHRIST: PAISAJES,PINTURA AL ÓLEO.ALEJANDRO DEFILLIPO: FIGURA HUMANA HIPERREALISMO AL ÓLEO,LORENA GALARZA: SURREALISMO AL ÓLEO.ESTER GONZALEZ: PINTURA AL ÓLEO.CLAUDIA LESCANO:PINTURA AL ÓLEO .ALICIA LEVEQUI: PINTURA AL ÓLEO.PABLO MARÍNEZ: DIBUJO ARTÍSTICO.MÓNICA MOREJÓN: PINTURA AL ÓLEO.MARIA ESTER RAMAS: PAISAJE ,ACUARELAS.MIRTA RE: PAISAJE AL ÓLEO.RAÚL SANCHEZ: PINTURA A LA ACUARELA Y DIBUJO ARTÍSTICO.RICARDO WYSE: DIBUJO DE CARICATURA Y SUS CREACIONES EN ENCUADERNACIÓN ARTÍSTICA CON CUERO, DORADO A LA HOJA Y OTROS MATERIALES.
Y LOS NIÑOS: SABASTIAN AGUILERA,CRISTIAN BAGGI,MARTINA BEAUDEAN,JEZAEL CIRULLI,IVAN GALVAN,JUAN LEMBO ,CECILIA LEUCO,CAMILA MUNIN,JOAQUIN Y BRUNO RAMIREZ, SANDRA SPINETTA, NICOLAS SANCHEZ,DANIELA TRAVASCIO.
INAUGURACIÓN: 3 DE DICIEMBRE A LAS 19 HS.
APERTURA A CARGO DEL DUO DE CANTO "ALLERÍA"
EXPONDRÁN EN CARACTER DE INVITADOS MIEMBROS DE A.P.A.D CON PINTURAS ARTÍSTICAS , SU PRESIDENTE ES EL SR. RICARDO WYSE .
ADEMÁS, EL SR. RICARDO WYSE , LORENA GALARZA , DRA. M. ESTER RAMAS Y OTROS INVITADOS EXPONDRÁN OBRAS DE ALFARERIA ARTISTICA.
DEGUSTACION DE LICORES ARTESANALES : EX ALUMNA MARITA WILSON
lunes, 18 de octubre de 2010
Pintura Contemporanea Ultima Parte
Las obras tempranas de tres importantes artistas de finales del siglo XIX, Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Henri Toulouse-Lautrec, denotaban la influencia del impresionismo, pero acabaron por desarrollar estilos postimpresionistas claramente definidos. Tanto Van Gogh como Pissarro hicieron breves experimentos con la división del color. Sin embargo, en el estilo desarrollado por Van Gogh era típico el empleo del color puro, aplicado muy denso en pinceladas vacilantes que dotaban a la obra de intensa expresión emocional. Muchos de sus lienzos, en especial los de cipreses azotados por el viento y los de campos de trigo bajo cielos tormentosos, expresan su propio estado de ánimo, tal como lo reflejan las fuerzas de la naturaleza. El estilo de van Gogh ejerció gran influencia sobre los pintores del norte de Europa que, a principios del siglo XX, desarrollaron el expresionismo
La obra de su colega Gauguin refleja también distorsiones de línea y de color pero difiere de la suya en que es más simbólica que expresionista. Las zonas de colores mates fuertes forman motivos decorativos, con los contornos muy marcados. Gauguin fue la figura central de un nuevo movimiento conocido como sintetismo o simbolismo, activo durante la década de 1890.
Pintura del siglo XX anterior a la II Guerra Mundial
El arte del siglo XX se caracteriza por numerosos movimientos y estilos. Entre los que tuvieron su origen en Europa antes de la II Guerra Mundial se encuentran el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neo-plasticismo, el dadá y el surrealismo; en Estados Unidos se desarrollaron el sincronismo y el precisionismo. Véase Arte y arquitectura contemporáneas.
Fauvismo
A principios de siglo, los artistas, tanto franceses como alemanes, mostraron su interés por el arte de las sociedades no-occidentales. Después de investigar las llamadas tradiciones artísticas primitivas en Bretaña, Gauguin trasladó su búsqueda a los mares del sur. Su modelo de color decorativo y sus teorías influyeron sobre un grupo posterior de pintores, conocidos como los "fauves" (fieras), a la cabeza de los cuales estaba Henri Matisse. Otros "fauves" conocidos fueron André Derain, Georges Braque y Maurice de Vlaminck, que presumían de ser los primeros artistas europeos en descubrir la escultura africana.
Expresionismo
La obra de los artistas más preocupados por plasmar sentimientos y respuestas subjetivos, por medio de la distorsión de la línea y del color, que por representar fielmente la realidad externa, se fundió en un movimiento conocido como expresionismo.
En Alemania, el movimiento abarcaba dos grupos. Los artistas jóvenes, activos entre 1905 y 1913, que componían el grupo Die Bruuml;cke estaban, como los fauves, inspirados en el arte africano, cuya fuerza y energía trasladaban a su propia obra. El grupo estaba formado por Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel y Emil Nolde, entre otros. Representaban los sufrimientos de la humanidad con un estilo parecido, en cierto modo, al fauvismo, pero con el ingrediente añadido de la angustia. La obra temprana del noruego Edvard Munch, de gran carga emocional, era bien conocida en Alemania y produjo honda impresión en los artistas de Die Bruuml;cke.
Algo más tarde, en 1911, Franz Marc y el artista nacido en Rusia Wassily Kandinsky encabezaron la otra fase del expresionismo alemán, por medio del grupo Der Blaue Reiter, en Munich; se inspiraban en el llamado arte primitivo, en el fauvismo, y en el arte popular, y la modalidad expresionista que practicaban evolucionó hacia una forma de pintar semi-abstracta.
Los principales componentes del Blaue Reiter eran August Macke, Gabriele Muuml;nter, Paul Klee y Alexey von Jawlensky. En esos años, el uruguayo Pedro Figari produce su obra neo impresionista en su país, en Buenos Aires y París.
Cubismo
Entre 1907 y 1914, Pablo Picasso y Georges Braque desarrollaron el cubismo en París, inspirándose en la forma, cada vez más geométrica, que tenía Cézanne de representar los paisajes y las naturalezas muertas, y en las formas dinámicas de la escultura africana e ibérica.
El cubismo llegó a ser el estilo artístico que más influencia ejerció entodo el siglo XX; se basa en poner de relieve la bidimensionalidad del plano pictórico, rechazando los valores tradicionales de perspectiva, escorzo, modelado y claroscuro. La pintura cubista atravesó diferentes fases, entre las manos de Picasso y Braque inicialmente, y más tarde las de Fernand Léger, Robert Delaunay, Sonia Delaunay y Juan Gris, para ser modificado posteriormente por un grupo de artistas italianos entre los que se encontraban Gino Severini, Umberto Boccioni, Carlo Carragrave; y Giacomo Balla.
El cubismo en América Latina tiene, entre otros representantes, al cubano Wifredo Lam y al mexicano Diego Rivera en su obra de caballete. Su intención de expresar en el arte el avance dinámico del siglo XX se conoce como futurismo. En los años 1930 se da a conocer el uruguayo Joaquín García Torres, precursor del arte constructivo.
Dadá (DADAISMO)
Durante la I Guerra Mundial un grupo de intelectuales suizos, unidos por su repugnancia hacia los valores burgueses, y sobre todo hacia el militarismo de los años de guerra, eligió el vocablo "dadá", sin significado alguno, para describir sus actividades de protesta y repulsa y el arte con el que desafiaban los criterios estéticos establecidos.
El más conocido de los dadaístas era el pintor francés Marcel Duchamp, que expresó su desaprobación por el "arte agradable y atractivo" añadiendo bigote y barba a una reproducción de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci. La iconoclastia de Duchamp encontró también expresión en lo que llamaba readymades, los objetos cotidianos que él presentaba como obras de arte. Otros dadaístas famosos fueron Francis Picabia, George Grosz y Max Ernst.
Surrealismo
Los dadaístas aprovechaban el accidente y la oportunidad para crear obras, métodos que fueron adoptados por sus sucesores, los surrealistas.
En 1924 André Breton presentó un manifiesto dando el nombre de surrealismo al movimiento que proclamaba la superioridad del inconsciente y el papel de los sueños en la creación artística.
Los surrealistas más importantes fueron Ernst, Salvador Dalí, Joan Miró, René Magritte, Jean Arp y André Masson. En América Latina destaca el chileno Roberto Matta, que combina el surrealismo con la abstracción.
Por otra parte, se podría incluir a la mexicana Frida Kahlo dentro de una corriente surrealista influida por el arte popular.
PINTURA ABSTRACTA
Hasta ahora hemos hablado de pintura figurativa.A medida que avanzamos en el tiempo como hemos visto a lo largo de estas clases , el hombre se fue liberando de estructuras, de miedos, de academicismos,y de él mismo, siendo el arte su refuEl arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.
gio espiritual y su espacio único de liberación mental, espacial y temporal.
El arte abstracto, que abarca varios estilos bien definidos, empezó a desarrollarse en Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos durante la segunda década del siglo XX. Llamamos arte abstracto
El cubismo fue crucial para su evolución, sobre todo en Rusia, donde los artistas, que conocían las tendencias francesas, bien a través de sus viajes a París, o viendo el arte de vanguardia en las colecciones moscovitas, empezaron a crear cuadros de construcción geométrica. Kazimir Maliévich llamó suprematismo a su manera de abordar la abstracción, mientras que a otros artistas rusos —como Alexander Rodchenko y El Lissitzky— se les conoció como constructivistas.
Después de su contacto con el cubismo, Piet Mondrian desarrolló una forma de abstracción llamada neo-plasticismo. Sus pinturas de cuadrículas, poniendo de relieve la bidimensionalidad del plano pictórico, y sus teorías estéticas fueron la base del desarrollo de la abstracción geométrica en Estados Unidos en la década de 1930. En esta última tendencia destaca en América Latina el italo-brasileño Alfredo Volpi, cuyo trabajo desemboca en una geometría sensible, con trazos menos exactos y más imaginativos.
Expresionismo abstracto
La presencia en Estados Unidos de muchos surrealistas europeos refugiados, fue sin duda el catalizador en la creación del expresionismo abstracto, movimiento centrado en Nueva York entre las décadas de 1940 y 1950. Su investigación del inconsciente y de las técnicas que hacían uso de la casualidad intrigó a Jackson Pollock, Willem de Kooning, Hans Hofmann, y muchos otros.
Estos artistas, partidarios del automatismo surrealista (una técnica similar a la escritura automática) y del expresionismo, eran conocidos como action painters. En manos de Pollock, por ejemplo, la técnica pictórica implicaba gotear colores sobre lienzos de gran formato para crear al azar motivos enérgicos.
Otros expresionistas abstractos, como Mark Rothko y Barnett Newman, desarrollaron la colour-field painting, aplicando sobre el lienzo grandes extensiones de color sutilmente modulado. En Argentina destaca Ronaldo de Juan, que más tarde optó por grandes cuadros de tonos grises.
Op Art y Pop Art
En la década de 1960 se iniciaron nuevos estilos y movimientos. Algunos pintores siguieron en la senda de la abstracción, como denota el Op Art de Victor Vasarely.
Si bien el Op Art se basa en producir ilusiones ópticas generalmente abstractas, el Pop Art es figurativo, como se aprecia en las divertidas obras de su creador, el artista inglés Richard Hamilton.
Los artistas Pop tomaban sus imágenes de los anuncios, de las películas, de las tiras cómicas y de los objetos cotidianos. Entre los más destacados artistas pop americanos se encuentran Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Jim Dine, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann, James Rosenquist y Andy Warhol.
Nuevo Realismo
Las irónicas imágenes del Pop Art ayudaron a despejar el camino para un renacimiento de la pintura realista. El realismo es un estilo continuo, pero muy individualista, en el arte de América, y abarca a pintores tan dispares como Thomas Eakins, Sloan, Hopper, Andrew Wyeth y Fairfield Porter.
Los realistas que se destacaron en las décadas de 1970 y 1980 fueron aquellos que habían asumido algunos de los conceptos estéticos del arte abstracto. El fotorrealismo se basaba en la fotografía para conseguir una variedad de pintura realista impersonal, con detalles precisos, como en los meticulosos paisajes urbanos de Richard Estes.
Los desnudos rigurosamente estructurados de Philip Pearlstein y las composiciones planas de Alex Katz y Wayne Thiebaud conferían también al realismo un tono frío y abstracto. Mientras tanto, en América Latina empezaban a brillar figuras como el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, que acude a las aristas pronunciadas y a la deformación para expresar a menudo un contenido político.
Nuevas tendencias abstractas
Obra de Larry Poons
Después de la intensa subjetividad del expresionismo abstracto, la pintura abstracta se inclinó hacia una pureza formal más rigurosa e impersonal.
La culminación de esta tendencia fue el minimalismo, en el cual la pintura se reducía a simples formas geométricas, motivos rítmicos o colores lisos. A la cabeza de los minimalistas estaban Kenneth Noland, Larry Poons, Robert Ryman y Brice Marden. La Hard-edge abstraction fue un movimiento relacionado con el anterior, que evolucionó hacia composiciones abstractas más complejas y dinámicas en las obras de Frank Stella y Al Held.
Bajo la influencia de la máxima de Duchamp, según la cual la pintura debía estar "al servicio de la mente", el arte conceptual solía consistir en una sola palabra o en una afirmación teórica. En esta época destaca el uruguayo Nelson Ramos.
La pintura europea de la posguerra
Entre los pintores que destacaron después de la II Guerra Mundial se encontraba Jean Dubuffet y Karel Appel. En Inglaterra las agónicas figuras de Francis Bacon y los cuadros urbanos, llenos de lirismo, de David Hockney dan fe de la vitalidad de la pintura figurativa inglesa. En América Latina, el dibujante, pintor, moralista y escultor colombiano Fernando Botero empieza e exponer desde principios de la década de 1950. La factura ingeniosa de sus personajes obesos deja ver la influencia de los pintores italianos del quattrocento.
Neo-expresionismo
En la década de 1980 varios artistas jóvenes, europeos y americanos, se rebelaron contra la pureza formalista, impersonal y austera, de gran parte del arte abstracto. El resultado fue un resurgimiento de la pintura figurativa y narrativa llamado neo-expresionismo. Muchos de los seguidores de este movimiento evitaron la representación realista, empleando en su lugar pinceladas toscas y colores fuertes para plasmar sus visiones subjetivas, por lo general ambiguas y enigmáticas.
A continuacion detallaré la cronología de los Estilos Pictóricos hasta nuestros días:
Listado de movimientos artísticos en la historia del arte:
■Arte Prehistórico (Prehistoria)
■Arte Antiguo (5000 A.C.-0)
■Arte Egipcio (Estilos pictóricos. Arte Egipcio Antiguo.)
■Arte Mesopotámico
■Arte Clásico (2000 A.C.-300 D.C.)
■Arte Griego
■Arte Romano
■Alta Edad Media (300-900)
■Arte Paleocristiano
■Arte Visigodo
■Arte Bizantino
■Arte Prerománico: Arte Carolingio, Mozárabe y Arte Otoniano
■Baja Edad Media (900-1400)
■Arte Románico
■Arte Gótico
■Arte Musulmán / Mudéjar
■Edad Moderna (1400-1800)
■Arte Del Renacimiento
■Manierismo
■Arte Barroco
■Naturalismo y Clasicismo
■Arte Rococó
■Arte Hispano-Americano
■Siglo. XIX
■Neoclasicismo
■Romanticismo
■Prerrafaelismo
■Purismo nazareno
■Realismo
■Impresionismo
■Puntillismo
■Post-Impresionismo (Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh).
■Simbolismo
■Historicismo (Neorrománico, Neogótico, Neobarroco)
■Siglo. XX
■Modernismo
■Art Nouveau, Modern Style, Liberty, Jugendstil, Sezession…
■Arts & Crafts y Art déco.
■Arte Naïf
■Primeras Vanguardias (1905-1942)
■Fauvismo
■ExpresionismoDie Brücke, Der Blaue Reiter y Nueva Objetividad
■Cubismo, Orfismo y Rayonismo
■Futurismo
■Dadaísmo
■Pintura metafísica
■Surrealismo
■Arte Abstracto
■Neoplasticismo (De Stijl)
■Constructivismo
■Suprematismo
■Racionalismo (Bauhaus)
■Segundas Vanguardias o Arte Moderno (1942- 2000)
■Expresionismo abstracto y Action Painting (Estilo Action Painting)
■Informalismo, Tachismo, Art brut, Pintura matérica
■Nueva abstracción, Abstracción postpictórica
■Op art, Arte cinético
■Nuevo realismo
■Pop art ( Estilo pictórico Collage Pop) (Estilo Cómic de Roy Lichtenstein)
■Minimalismo
■Hiperrealismo
■Happening, Performance, Instalación
■Arte conceptual
■Arte povera
■Body art
■Land art
■Arte ambiental
■Bio-Art
■Arte digital
■Movimiento hippye y la cultura juvenil (años 60 y 70)
■Fluxus y Neodadaismo
■Arte psicodélico
■Estilos Rock y Punk
■Arte Post-Moderno
■Transvanguardia
■Neoexpresionismo
■Neomanierismo
■Figuración Libre
■Siglo XXI
■Manga (Estilo pictórico Manga o Animé)
■Movimientos pictóricos contemporáneos (Estilo Gótico Moderno)
■Ilustración Digital ( Estilo Adobe Illustrator)
Arte Regional y culturas del mundo:
■Arte Celta (Aproximadamente Siglo IX Antes De Cristo)
■Arte Ibérico (Siglos VI-IV Antes de Cristo)
■Arte Astur
■Arte Oceánico
■Arte Africano
■Arte Chino
■Arte Japonés ( Ukiyo-e)
■Arte Hindú
■Arte islámico (Estilo artístico desarrollado en la cultura generada por la religión islámica)
■Arte precolombino (La figuración Azteca)
■Arte normando
Nos queda mucho, pero mucho más para hablar, ya que gracias a Dios el hombre sigue usando pinceles, lápices, carbonillas y otras técnicas convencionales además de las fabulosas digitales .Todo es arte al fin... ex-presión: exteriorizar lo que tenemos adentro, darlo o darnoslo,pero lo verdadero siempre es sentir el placer de hacer arte, siendo esto más importante que los posibles logros o reconocimientos publicos y de críticos.
Espero que estas clases hayan sido de utilidad para todos ustedes.Hasta pronto!!
Seguiré como siempre hablandoles de Pintura y Dibujo Arístico
Ante cualquier duda o pregunta, por favor escribir a : claudiaarte@hotmail.com…
Fuentes.:
Claudia Nuñez-Encarta-Profesores en linea
La obra de su colega Gauguin refleja también distorsiones de línea y de color pero difiere de la suya en que es más simbólica que expresionista. Las zonas de colores mates fuertes forman motivos decorativos, con los contornos muy marcados. Gauguin fue la figura central de un nuevo movimiento conocido como sintetismo o simbolismo, activo durante la década de 1890.
Pintura del siglo XX anterior a la II Guerra Mundial
El arte del siglo XX se caracteriza por numerosos movimientos y estilos. Entre los que tuvieron su origen en Europa antes de la II Guerra Mundial se encuentran el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neo-plasticismo, el dadá y el surrealismo; en Estados Unidos se desarrollaron el sincronismo y el precisionismo. Véase Arte y arquitectura contemporáneas.
Fauvismo
A principios de siglo, los artistas, tanto franceses como alemanes, mostraron su interés por el arte de las sociedades no-occidentales. Después de investigar las llamadas tradiciones artísticas primitivas en Bretaña, Gauguin trasladó su búsqueda a los mares del sur. Su modelo de color decorativo y sus teorías influyeron sobre un grupo posterior de pintores, conocidos como los "fauves" (fieras), a la cabeza de los cuales estaba Henri Matisse. Otros "fauves" conocidos fueron André Derain, Georges Braque y Maurice de Vlaminck, que presumían de ser los primeros artistas europeos en descubrir la escultura africana.
Expresionismo
La obra de los artistas más preocupados por plasmar sentimientos y respuestas subjetivos, por medio de la distorsión de la línea y del color, que por representar fielmente la realidad externa, se fundió en un movimiento conocido como expresionismo.
En Alemania, el movimiento abarcaba dos grupos. Los artistas jóvenes, activos entre 1905 y 1913, que componían el grupo Die Bruuml;cke estaban, como los fauves, inspirados en el arte africano, cuya fuerza y energía trasladaban a su propia obra. El grupo estaba formado por Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel y Emil Nolde, entre otros. Representaban los sufrimientos de la humanidad con un estilo parecido, en cierto modo, al fauvismo, pero con el ingrediente añadido de la angustia. La obra temprana del noruego Edvard Munch, de gran carga emocional, era bien conocida en Alemania y produjo honda impresión en los artistas de Die Bruuml;cke.
Algo más tarde, en 1911, Franz Marc y el artista nacido en Rusia Wassily Kandinsky encabezaron la otra fase del expresionismo alemán, por medio del grupo Der Blaue Reiter, en Munich; se inspiraban en el llamado arte primitivo, en el fauvismo, y en el arte popular, y la modalidad expresionista que practicaban evolucionó hacia una forma de pintar semi-abstracta.
Los principales componentes del Blaue Reiter eran August Macke, Gabriele Muuml;nter, Paul Klee y Alexey von Jawlensky. En esos años, el uruguayo Pedro Figari produce su obra neo impresionista en su país, en Buenos Aires y París.
Cubismo
Entre 1907 y 1914, Pablo Picasso y Georges Braque desarrollaron el cubismo en París, inspirándose en la forma, cada vez más geométrica, que tenía Cézanne de representar los paisajes y las naturalezas muertas, y en las formas dinámicas de la escultura africana e ibérica.
El cubismo llegó a ser el estilo artístico que más influencia ejerció entodo el siglo XX; se basa en poner de relieve la bidimensionalidad del plano pictórico, rechazando los valores tradicionales de perspectiva, escorzo, modelado y claroscuro. La pintura cubista atravesó diferentes fases, entre las manos de Picasso y Braque inicialmente, y más tarde las de Fernand Léger, Robert Delaunay, Sonia Delaunay y Juan Gris, para ser modificado posteriormente por un grupo de artistas italianos entre los que se encontraban Gino Severini, Umberto Boccioni, Carlo Carragrave; y Giacomo Balla.
El cubismo en América Latina tiene, entre otros representantes, al cubano Wifredo Lam y al mexicano Diego Rivera en su obra de caballete. Su intención de expresar en el arte el avance dinámico del siglo XX se conoce como futurismo. En los años 1930 se da a conocer el uruguayo Joaquín García Torres, precursor del arte constructivo.
Dadá (DADAISMO)
Durante la I Guerra Mundial un grupo de intelectuales suizos, unidos por su repugnancia hacia los valores burgueses, y sobre todo hacia el militarismo de los años de guerra, eligió el vocablo "dadá", sin significado alguno, para describir sus actividades de protesta y repulsa y el arte con el que desafiaban los criterios estéticos establecidos.
El más conocido de los dadaístas era el pintor francés Marcel Duchamp, que expresó su desaprobación por el "arte agradable y atractivo" añadiendo bigote y barba a una reproducción de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci. La iconoclastia de Duchamp encontró también expresión en lo que llamaba readymades, los objetos cotidianos que él presentaba como obras de arte. Otros dadaístas famosos fueron Francis Picabia, George Grosz y Max Ernst.
Surrealismo
Los dadaístas aprovechaban el accidente y la oportunidad para crear obras, métodos que fueron adoptados por sus sucesores, los surrealistas.
En 1924 André Breton presentó un manifiesto dando el nombre de surrealismo al movimiento que proclamaba la superioridad del inconsciente y el papel de los sueños en la creación artística.
Los surrealistas más importantes fueron Ernst, Salvador Dalí, Joan Miró, René Magritte, Jean Arp y André Masson. En América Latina destaca el chileno Roberto Matta, que combina el surrealismo con la abstracción.
Por otra parte, se podría incluir a la mexicana Frida Kahlo dentro de una corriente surrealista influida por el arte popular.
PINTURA ABSTRACTA
Hasta ahora hemos hablado de pintura figurativa.A medida que avanzamos en el tiempo como hemos visto a lo largo de estas clases , el hombre se fue liberando de estructuras, de miedos, de academicismos,y de él mismo, siendo el arte su refuEl arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.
gio espiritual y su espacio único de liberación mental, espacial y temporal.
El arte abstracto, que abarca varios estilos bien definidos, empezó a desarrollarse en Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos durante la segunda década del siglo XX. Llamamos arte abstracto
El cubismo fue crucial para su evolución, sobre todo en Rusia, donde los artistas, que conocían las tendencias francesas, bien a través de sus viajes a París, o viendo el arte de vanguardia en las colecciones moscovitas, empezaron a crear cuadros de construcción geométrica. Kazimir Maliévich llamó suprematismo a su manera de abordar la abstracción, mientras que a otros artistas rusos —como Alexander Rodchenko y El Lissitzky— se les conoció como constructivistas.
Después de su contacto con el cubismo, Piet Mondrian desarrolló una forma de abstracción llamada neo-plasticismo. Sus pinturas de cuadrículas, poniendo de relieve la bidimensionalidad del plano pictórico, y sus teorías estéticas fueron la base del desarrollo de la abstracción geométrica en Estados Unidos en la década de 1930. En esta última tendencia destaca en América Latina el italo-brasileño Alfredo Volpi, cuyo trabajo desemboca en una geometría sensible, con trazos menos exactos y más imaginativos.
Expresionismo abstracto
La presencia en Estados Unidos de muchos surrealistas europeos refugiados, fue sin duda el catalizador en la creación del expresionismo abstracto, movimiento centrado en Nueva York entre las décadas de 1940 y 1950. Su investigación del inconsciente y de las técnicas que hacían uso de la casualidad intrigó a Jackson Pollock, Willem de Kooning, Hans Hofmann, y muchos otros.
Estos artistas, partidarios del automatismo surrealista (una técnica similar a la escritura automática) y del expresionismo, eran conocidos como action painters. En manos de Pollock, por ejemplo, la técnica pictórica implicaba gotear colores sobre lienzos de gran formato para crear al azar motivos enérgicos.
Otros expresionistas abstractos, como Mark Rothko y Barnett Newman, desarrollaron la colour-field painting, aplicando sobre el lienzo grandes extensiones de color sutilmente modulado. En Argentina destaca Ronaldo de Juan, que más tarde optó por grandes cuadros de tonos grises.
Op Art y Pop Art
En la década de 1960 se iniciaron nuevos estilos y movimientos. Algunos pintores siguieron en la senda de la abstracción, como denota el Op Art de Victor Vasarely.
Si bien el Op Art se basa en producir ilusiones ópticas generalmente abstractas, el Pop Art es figurativo, como se aprecia en las divertidas obras de su creador, el artista inglés Richard Hamilton.
Los artistas Pop tomaban sus imágenes de los anuncios, de las películas, de las tiras cómicas y de los objetos cotidianos. Entre los más destacados artistas pop americanos se encuentran Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Jim Dine, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann, James Rosenquist y Andy Warhol.
Nuevo Realismo
Las irónicas imágenes del Pop Art ayudaron a despejar el camino para un renacimiento de la pintura realista. El realismo es un estilo continuo, pero muy individualista, en el arte de América, y abarca a pintores tan dispares como Thomas Eakins, Sloan, Hopper, Andrew Wyeth y Fairfield Porter.
Los realistas que se destacaron en las décadas de 1970 y 1980 fueron aquellos que habían asumido algunos de los conceptos estéticos del arte abstracto. El fotorrealismo se basaba en la fotografía para conseguir una variedad de pintura realista impersonal, con detalles precisos, como en los meticulosos paisajes urbanos de Richard Estes.
Los desnudos rigurosamente estructurados de Philip Pearlstein y las composiciones planas de Alex Katz y Wayne Thiebaud conferían también al realismo un tono frío y abstracto. Mientras tanto, en América Latina empezaban a brillar figuras como el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, que acude a las aristas pronunciadas y a la deformación para expresar a menudo un contenido político.
Nuevas tendencias abstractas
Obra de Larry Poons
Después de la intensa subjetividad del expresionismo abstracto, la pintura abstracta se inclinó hacia una pureza formal más rigurosa e impersonal.
La culminación de esta tendencia fue el minimalismo, en el cual la pintura se reducía a simples formas geométricas, motivos rítmicos o colores lisos. A la cabeza de los minimalistas estaban Kenneth Noland, Larry Poons, Robert Ryman y Brice Marden. La Hard-edge abstraction fue un movimiento relacionado con el anterior, que evolucionó hacia composiciones abstractas más complejas y dinámicas en las obras de Frank Stella y Al Held.
Bajo la influencia de la máxima de Duchamp, según la cual la pintura debía estar "al servicio de la mente", el arte conceptual solía consistir en una sola palabra o en una afirmación teórica. En esta época destaca el uruguayo Nelson Ramos.
La pintura europea de la posguerra
Entre los pintores que destacaron después de la II Guerra Mundial se encontraba Jean Dubuffet y Karel Appel. En Inglaterra las agónicas figuras de Francis Bacon y los cuadros urbanos, llenos de lirismo, de David Hockney dan fe de la vitalidad de la pintura figurativa inglesa. En América Latina, el dibujante, pintor, moralista y escultor colombiano Fernando Botero empieza e exponer desde principios de la década de 1950. La factura ingeniosa de sus personajes obesos deja ver la influencia de los pintores italianos del quattrocento.
Neo-expresionismo
En la década de 1980 varios artistas jóvenes, europeos y americanos, se rebelaron contra la pureza formalista, impersonal y austera, de gran parte del arte abstracto. El resultado fue un resurgimiento de la pintura figurativa y narrativa llamado neo-expresionismo. Muchos de los seguidores de este movimiento evitaron la representación realista, empleando en su lugar pinceladas toscas y colores fuertes para plasmar sus visiones subjetivas, por lo general ambiguas y enigmáticas.
A continuacion detallaré la cronología de los Estilos Pictóricos hasta nuestros días:
Listado de movimientos artísticos en la historia del arte:
■Arte Prehistórico (Prehistoria)
■Arte Antiguo (5000 A.C.-0)
■Arte Egipcio (Estilos pictóricos. Arte Egipcio Antiguo.)
■Arte Mesopotámico
■Arte Clásico (2000 A.C.-300 D.C.)
■Arte Griego
■Arte Romano
■Alta Edad Media (300-900)
■Arte Paleocristiano
■Arte Visigodo
■Arte Bizantino
■Arte Prerománico: Arte Carolingio, Mozárabe y Arte Otoniano
■Baja Edad Media (900-1400)
■Arte Románico
■Arte Gótico
■Arte Musulmán / Mudéjar
■Edad Moderna (1400-1800)
■Arte Del Renacimiento
■Manierismo
■Arte Barroco
■Naturalismo y Clasicismo
■Arte Rococó
■Arte Hispano-Americano
■Siglo. XIX
■Neoclasicismo
■Romanticismo
■Prerrafaelismo
■Purismo nazareno
■Realismo
■Impresionismo
■Puntillismo
■Post-Impresionismo (Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh).
■Simbolismo
■Historicismo (Neorrománico, Neogótico, Neobarroco)
■Siglo. XX
■Modernismo
■Art Nouveau, Modern Style, Liberty, Jugendstil, Sezession…
■Arts & Crafts y Art déco.
■Arte Naïf
■Primeras Vanguardias (1905-1942)
■Fauvismo
■ExpresionismoDie Brücke, Der Blaue Reiter y Nueva Objetividad
■Cubismo, Orfismo y Rayonismo
■Futurismo
■Dadaísmo
■Pintura metafísica
■Surrealismo
■Arte Abstracto
■Neoplasticismo (De Stijl)
■Constructivismo
■Suprematismo
■Racionalismo (Bauhaus)
■Segundas Vanguardias o Arte Moderno (1942- 2000)
■Expresionismo abstracto y Action Painting (Estilo Action Painting)
■Informalismo, Tachismo, Art brut, Pintura matérica
■Nueva abstracción, Abstracción postpictórica
■Op art, Arte cinético
■Nuevo realismo
■Pop art ( Estilo pictórico Collage Pop) (Estilo Cómic de Roy Lichtenstein)
■Minimalismo
■Hiperrealismo
■Happening, Performance, Instalación
■Arte conceptual
■Arte povera
■Body art
■Land art
■Arte ambiental
■Bio-Art
■Arte digital
■Movimiento hippye y la cultura juvenil (años 60 y 70)
■Fluxus y Neodadaismo
■Arte psicodélico
■Estilos Rock y Punk
■Arte Post-Moderno
■Transvanguardia
■Neoexpresionismo
■Neomanierismo
■Figuración Libre
■Siglo XXI
■Manga (Estilo pictórico Manga o Animé)
■Movimientos pictóricos contemporáneos (Estilo Gótico Moderno)
■Ilustración Digital ( Estilo Adobe Illustrator)
Arte Regional y culturas del mundo:
■Arte Celta (Aproximadamente Siglo IX Antes De Cristo)
■Arte Ibérico (Siglos VI-IV Antes de Cristo)
■Arte Astur
■Arte Oceánico
■Arte Africano
■Arte Chino
■Arte Japonés ( Ukiyo-e)
■Arte Hindú
■Arte islámico (Estilo artístico desarrollado en la cultura generada por la religión islámica)
■Arte precolombino (La figuración Azteca)
■Arte normando
Nos queda mucho, pero mucho más para hablar, ya que gracias a Dios el hombre sigue usando pinceles, lápices, carbonillas y otras técnicas convencionales además de las fabulosas digitales .Todo es arte al fin... ex-presión: exteriorizar lo que tenemos adentro, darlo o darnoslo,pero lo verdadero siempre es sentir el placer de hacer arte, siendo esto más importante que los posibles logros o reconocimientos publicos y de críticos.
Espero que estas clases hayan sido de utilidad para todos ustedes.Hasta pronto!!
Seguiré como siempre hablandoles de Pintura y Dibujo Arístico
Ante cualquier duda o pregunta, por favor escribir a : claudiaarte@hotmail.com…
Fuentes.:
Claudia Nuñez-Encarta-Profesores en linea
martes, 5 de octubre de 2010
Arte Japones
Puntillismo
POSTIMPRESIONISMO
El postimpresionismo es un término histórico – artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX. Varios artistas partiendo del impresionismo derivan hacia una pintura personal, teniendo como principales características la recuperación de la importancia del dibujo y la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas.
El Postimpresionismo es importante en la historia del arte porque abre con sus innovadoras propuestas el camino de la renovación pictórica que trajeron los movimientos artísticos de vanguardia.
Movimientos como el Fauvismo, Cubismo o Expresionismo recibieron la influencia de los artistas Postimpresionistas
Bajo el nombre de Neoimpresionismo o Postimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que responden a las inquietudes de los diferentes artistas. A éstos no hay que entenderlos bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a la individualidad de sus planteamientos. A cada una de las personalidades hay que entenderla como tesela integrante del "mosaico neoimpresionista". Por ello emprenderemos un recorrido por los diferentes estilos y artistas que en él se dan.
Impacto del arte japonés
Puntillismo:
Seurat
Signac
Van Gogh
Gauguin
Pintura nabi:
Maurice Denis
Pierre Bonnard
Edouard Vuillard
Paul Sérusier
Pintura naïf: H. Rousseau
Antes de comenzar el recorrido hemos de hablar de la importancia que para este movimiento tuvo el impacto del arte japonés y de los presupuestos que éste traía consigo.
En el siglo XVII se comenzaron a coleccionar piezas como abanicos y porcelanas por parte de los aristócratas. En el XIX se prefieren los grabados. Whistler es uno de los primeros en valorarlos y coleccionarlos. En 1868 Japón se abre a Occidente, y éste comienza a conocer los llamados ukiyo-e-hanga, término acuñado por Samuel Bing. Los grabados se exponen por toda Europa y comenzaron a tener gran importancia por las novedades que aportaban. Tuvieron un impacto a nivel de renovación de los sistemas representativos. Los Ukiyo ofrecen una alternativa en la que encuentran una nueva forma de realidad. La pintura que traen consigo una que representa un mundo superficial y fugaz. Como suele pasar con todo lo nuevo, la aceptación por parte de las clases elevadas fue difícil. Fueron los pintores de la década de 1880 los que vieron en estas obras grandes descubrimientos aptos para renovar el arte:
Se apuesta por la recuperación del dibujo y del trazo a diferencia de lo que ocurría en el Impresionismo.
El color se aplica en grandes superficies planas sin matización y sin perder intensidad en la lejanía.
Por medio del dibujo se dan las calidades de materia, forma e incluso volumen.
Se transmite una visión cósmica a partir de lo mínimo.
Se capta el gesto detenido y fijado, coincidiendo con la idea de instantánea.
Cobra importancia el dejar sin cubrir.
Hay una nueva organización de espacio: se usa la diagonal y la línea de horizonte se coloca bastante alta, así, las figuras se van escalonando.
Se usan diferentes puntos de vista, así, las composiciones pueden resultar asimétricas y desdentradas.
Se usan encuadres originales.
Se prefieren los formatos alargados.
Hay un gusto por los detalles.
Se transmite una visión edonista de la vida, la misma que reclamaban los impresionistas.
Gusto por situaciones insólitas.
Se usan las siluetas.
En definitiva se prescinde de todo convencionalismo anterior. Son novedades que influyen en artistas como Gauguin, Lautrec, Van Gogh e incluso en Matisse.
Tanto el puntillismo, como el divisionismo o neoimpresionismo, nacieron en el seno del impresionismo.
El Puntillismo es una técnica pictorica que consiste en la obtención de las gamas cromáticas mediante la aplicación de puntos o rasgos yuxtapuestos de colores planos y que mirados desde cierta distancia producen la adecuada mezcla óptima que define la imagen. A esta técnica también se le denomina Divisionismo, aunque para algunos autores apuntan diferencias evidentes, unas de tipo de compromiso pollítico-social y otras simplemente técnico. El divisionismo lo practican artistas vinculados al anarco-sindicalismo o próximos a las posturas del nacional-socialismo que, con posterioridad, se estableció en la italia de Mussolini, en cambio los puntillistas carecen de cualquier intención política o social. En cuanto a la técnica se refiere, las pinceladas de los divisionismas son más largas y gestuales que los puntos empleados por los puntillistas, resultando unas composiciones más dinámicas, acercandose a los postulados de los futuristas.
El iniciador fue Seurat a principios de la década 1880. Esta técnica nace dentro del seno del impresionismo siendo sus máximos representantes Seurat y Signac que, de la misma manera que en el impresionismo, se basan en las teorías de los colores complementarios para potenciar la fuerza de los mismos, profundizando en el empleo científico de los colores.
Otros pintores que formaron parte de este movimiento fueron Charles Angrand, Henri-Edmond Cross, Maximilien Luce, los belgas Henri Clemens van de Velde y Theodore van Rysselberghe, y los italianos Gaetano Previati, Daniele Ranzoni y Giovanni Segantini.
Seguimos la próxima con Postimpresionismo Chauuuu!!!
Puntillismo
POSTIMPRESIONISMO
El postimpresionismo es un término histórico – artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX. Varios artistas partiendo del impresionismo derivan hacia una pintura personal, teniendo como principales características la recuperación de la importancia del dibujo y la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas.
El Postimpresionismo es importante en la historia del arte porque abre con sus innovadoras propuestas el camino de la renovación pictórica que trajeron los movimientos artísticos de vanguardia.
Movimientos como el Fauvismo, Cubismo o Expresionismo recibieron la influencia de los artistas Postimpresionistas
Bajo el nombre de Neoimpresionismo o Postimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que responden a las inquietudes de los diferentes artistas. A éstos no hay que entenderlos bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a la individualidad de sus planteamientos. A cada una de las personalidades hay que entenderla como tesela integrante del "mosaico neoimpresionista". Por ello emprenderemos un recorrido por los diferentes estilos y artistas que en él se dan.
Impacto del arte japonés
Puntillismo:
Seurat
Signac
Van Gogh
Gauguin
Pintura nabi:
Maurice Denis
Pierre Bonnard
Edouard Vuillard
Paul Sérusier
Pintura naïf: H. Rousseau
Antes de comenzar el recorrido hemos de hablar de la importancia que para este movimiento tuvo el impacto del arte japonés y de los presupuestos que éste traía consigo.
En el siglo XVII se comenzaron a coleccionar piezas como abanicos y porcelanas por parte de los aristócratas. En el XIX se prefieren los grabados. Whistler es uno de los primeros en valorarlos y coleccionarlos. En 1868 Japón se abre a Occidente, y éste comienza a conocer los llamados ukiyo-e-hanga, término acuñado por Samuel Bing. Los grabados se exponen por toda Europa y comenzaron a tener gran importancia por las novedades que aportaban. Tuvieron un impacto a nivel de renovación de los sistemas representativos. Los Ukiyo ofrecen una alternativa en la que encuentran una nueva forma de realidad. La pintura que traen consigo una que representa un mundo superficial y fugaz. Como suele pasar con todo lo nuevo, la aceptación por parte de las clases elevadas fue difícil. Fueron los pintores de la década de 1880 los que vieron en estas obras grandes descubrimientos aptos para renovar el arte:
Se apuesta por la recuperación del dibujo y del trazo a diferencia de lo que ocurría en el Impresionismo.
El color se aplica en grandes superficies planas sin matización y sin perder intensidad en la lejanía.
Por medio del dibujo se dan las calidades de materia, forma e incluso volumen.
Se transmite una visión cósmica a partir de lo mínimo.
Se capta el gesto detenido y fijado, coincidiendo con la idea de instantánea.
Cobra importancia el dejar sin cubrir.
Hay una nueva organización de espacio: se usa la diagonal y la línea de horizonte se coloca bastante alta, así, las figuras se van escalonando.
Se usan diferentes puntos de vista, así, las composiciones pueden resultar asimétricas y desdentradas.
Se usan encuadres originales.
Se prefieren los formatos alargados.
Hay un gusto por los detalles.
Se transmite una visión edonista de la vida, la misma que reclamaban los impresionistas.
Gusto por situaciones insólitas.
Se usan las siluetas.
En definitiva se prescinde de todo convencionalismo anterior. Son novedades que influyen en artistas como Gauguin, Lautrec, Van Gogh e incluso en Matisse.
Tanto el puntillismo, como el divisionismo o neoimpresionismo, nacieron en el seno del impresionismo.
El Puntillismo es una técnica pictorica que consiste en la obtención de las gamas cromáticas mediante la aplicación de puntos o rasgos yuxtapuestos de colores planos y que mirados desde cierta distancia producen la adecuada mezcla óptima que define la imagen. A esta técnica también se le denomina Divisionismo, aunque para algunos autores apuntan diferencias evidentes, unas de tipo de compromiso pollítico-social y otras simplemente técnico. El divisionismo lo practican artistas vinculados al anarco-sindicalismo o próximos a las posturas del nacional-socialismo que, con posterioridad, se estableció en la italia de Mussolini, en cambio los puntillistas carecen de cualquier intención política o social. En cuanto a la técnica se refiere, las pinceladas de los divisionismas son más largas y gestuales que los puntos empleados por los puntillistas, resultando unas composiciones más dinámicas, acercandose a los postulados de los futuristas.
El iniciador fue Seurat a principios de la década 1880. Esta técnica nace dentro del seno del impresionismo siendo sus máximos representantes Seurat y Signac que, de la misma manera que en el impresionismo, se basan en las teorías de los colores complementarios para potenciar la fuerza de los mismos, profundizando en el empleo científico de los colores.
Otros pintores que formaron parte de este movimiento fueron Charles Angrand, Henri-Edmond Cross, Maximilien Luce, los belgas Henri Clemens van de Velde y Theodore van Rysselberghe, y los italianos Gaetano Previati, Daniele Ranzoni y Giovanni Segantini.
Seguimos la próxima con Postimpresionismo Chauuuu!!!
martes, 28 de septiembre de 2010
PINTORES IMPRESIONISTAS II
Auguste Renoir
Camille Pisarro
Edgar Degas
Henri Toulouse Lautrec
Este movimiento es tan rico y tan importante en la pintura contemporánea que tendría que escribir varias clases sobre el tema, pero estamos cerca del final del año y quiero hablar de la mayoría de los estilos y escuelas de la pintura hasta nuestros días.
Siguiendo con los más importantes impresionistas hablaremos de:
Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
Nació en Limoges, Francia. Pintor impresionista de retratos, panoramas citadinos y escenas de la vida diaria. Formó parte del selecto grupo de maestros que revolucionaron el arte pictórico al introducir el impresionismo como estilo de pintura, que más allá de pretender el perfeccionismo de las formas como normalmente se acostumbraba, apunta a retratar las escenas como el ser humano las ve.
En este estilo donde se combinan el temperamento del pintor y la impresión ocular que tiene de la escena, logra la atención del observador de la obra, quien se identifica con la impresión que se lleva de lo que observa y no con la realidad absoluta dificil de recordar. Generalmente un maestro impresionista no requiere de un modelo estático para realizar sus cuadros, si no que pinta lo que su memoria a registrado. Esto le permite introducir elementos subjetivos y a veces ajenos a la escena, en la cual se ha inspirado.
Para lograr este tipo de pintura, los artistas franceses dieron un golpe a la cátedra y desarrollaron una técnica de pinceladas libres, que sin bien se asemejan a manchas de color, en la práctica, al tomar distancia de la obra, se transforman en componentes reales.
Si bien Renoir no fue el fundador de la escuela impresionista (Pissarro), sin duda contribuyó con su maestría a la difusión de esta escuela de pintura. Entre sus camaradas de profesión y amistad están el mismo Pissarro, Monet, Sisley, Cézanne, Degas, Caillebot y Bazille.
A través de su carrera Renoir experimentó cambios evolutivos en su pintura. Pasó por tres períodos de impresionismo: el primero como tal (ver), el segundo llamado período seco o "ingresque" (ver), acercándose a Ingres, dando mayor definición de las figuras, emulando la técnica veneciana de Rafael y finalmente, el estilo anacarado (tornasolado, iridiscente).
Edgar Degas
Pintor y escultor francés cuyas composiciones innovadoras, sus magistrales dibujos y su perspicaz análisis del movimiento le convirtieron en uno de los maestros del arte moderno de finales del siglo XIX. A Degas se le suele asociar con los impresionistas y, de hecho, expuso con ellos en siete de las ocho exposiciones que realizaron. Sin embargo, su formación clásica en el dibujo y su rechazo por la pintura directa al aire libre dio lugar a un estilo que representó una alternativa relacionada con el impresionismo. Degas nació el 19 de julio de 1834 en París, en el seno de una acaudalada familia de banqueros. Estudió en la Escuela de Bellas Artes con un discípulo del pintor neoclásico francés Jean Auguste Dominique Ingres, allí desarrolló la gran técnica como dibujante que se convertiría en una de las características más sobresalientes de su arte. A partir de 1865, influido por el movimiento impresionista, entonces en ciernes, abandonó los temas académicos para dedicarse a una temática contemporánea. Pero, a diferencia de los impresionistas, prefirió trabajar en su taller y no le interesó el estudio de la luz natural que tanto fascinó a aquéllos. A Degas le gustaban los temas del teatro, por lo que la mayor parte de su obra representa teatros, cafés, teatros de variedades o gabinetes y carreras de caballos. Degas fue un gran observador del ser humano —sobre todo de las mujeres, en las que se centra gran parte de su obra— y tanto en sus retratos como en sus estudios de bailarinas, sombrereras y lavanderas, cultivó una objetividad absoluta, intentando atrapar las posturas más naturales y espontáneas de sus modelos como las que podían registrarse en las fotografías.
estudio de los grabados japoneses le llevó a experimentar con ángulos de enfoque inusitados y composiciones asimétricas. Sus obras suelen presentar los bordes cortados, como en Los bebedores de absenta (1876, Museo de Orsay, París) o Ensayo de ballet (1876, Museo y Galería de Arte de Glasgow). En Mujer Valpinçon con crisantemos (1865, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), la figura femenina aparece desplazada en un rincón del cuadro por la presencia en el centro de un gran ramo de flores. En la década de 1880, cuando comenzó a perder visión, Degas empezó a trabajar con dos medios nuevos que no requerían gran agudeza visual, la escultura y el pastel. En su escultura, al igual que en su pintura, intentó atrapar la acción del momento, y sus bailarinas de ballet y desnudos femeninos están representados en poses que evidencian los esfuerzos físicos de las modelos. Sus pasteles suelen ser composiciones simples con muy pocas figuras. Se vio forzado a recurrir a los colores brillantes y a los gestos de gran expresividad, prescindiendo de la línea precisa y el cuidado detalle pero, a pesar de esas limitaciones, sus últimas obras son de una elocuencia, expresividad y grandiosidad no alcanzadas por ninguna de sus obras anteriores, como puede verse en la excelente selección de su obra presente en el Museo de Orsay de París. Degas no gozó de gran fama en su época y su auténtica dimensión artística no habría de valorarse hasta después de su muerte, acaecida el 27 de septiembre de 1917 en París.
Camille Pissarro
Pintor impresionista francés, cuya amistad y apoyo dio ánimo a muchos pintores jóvenes. Pissarro nació en Santo Tomás, Islas Vírgenes, y se trasladó a París en 1855, donde estudió con el paisajista francés Camille Corot. Asociado en un principio con la Escuela de Barbizon, Pissarro se unió más tarde a los impresionistas y tuvo representación en todas sus exposiciones. Durante la Guerra Franco-prusiana (1870-1871), vivió en Inglaterra y estudió el arte inglés, interesándose sobre todo por los paisajes de Joseph Turner. En la década de 1880, desanimado con su trabajo, experimentó con el Puntillismo, el nuevo estilo, sin embargo, no cuajó entre los coleccionistas y galeristas, y tuvo que volver a un estilo impresionista más libre. Pintor del sol y de destellantes juegos de luz, Pissarro produjo buen número de tranquilas escenas rurales de ríos y paisajes, también pintó escenas callejeras en París como La calle Saint-Honoré después del mediodía, efecto de lluvia (1897, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), Le Havre y Londres. Era un excelente profesor, entre sus alumnos y colegas se encontraban Paul Gauguin y Paul Cézanne, su hijo Lucien Pissarro y la pintora impresionista estadounidense Mary Cassatt. Pissarro fue un artista prolífico, muchas de sus pinturas, acuarelas y gráficos cuelgan de la Galería de Luxemburgo en París
Henri Toulouse-Lautrec(1864-1901)
Me detendré más en este genial pintor ya que a mí perticularmente es el que más me gusta y creo a mi entender que fue uno de los artistas más creativos de la época.
El linaje nobiliario de los Toulouse-Lautrec es uno de los más antiguos y notorios
de Francia. En su seno, y en su castillo "del Bosc", en Albi, nació el primogénito del conde Alphonse Charles de Toulouse-Lautrec Monfa y su esposa Adele Marquette Tapié de Céleyran. El conde y la condesa eran primos, consagrando una larga tradición
de consanguinidad en la familia que resultaría fatal para el pequeño Henri. En 1878, a los catorce años, se rompe el fémur izquierdo al caerse en el palacio familiar y, al año siguiente, otra desafortunada caída supone la fractura del fémur derecho. La deficiente calcificación -debida, al parecer, a las consecuencias de la consanguinidad- impide que las fracturas suelden adecua-damente, y sus piernas ya no crecerán más: "El tronco, que era el de un hombre de estatura normal -escribIó años después Thadée Natanson- parecía haber aplastado con su peso y el de la gran cabeza las cortas piernas que apuntaban por debajo".
La deformidad fue una fuente constante de infelicidad y amargura para Toulouse, y le llevaría al agudo alcoholismo que a la postre fue causa de su temprana muerte.
Ya antes de los dos accidentes era un niño enfermizo, por lo que buena parte de su educación se realizó con preceptores privados.
Su interés por el dibujo y la pintura se remonta a la infancia. De hecho, su padre, sus tíos y varios antepasados recientes eran tan aficionados a la caza como a la pintura. Su formación empieza en 1882 con Princeteau, un pintor animalista amigo de su familia, que le aconseja inscribirse en el estudio del pintor académico Léon Bonnat. Allí se ejercita, sobre todo, en la disciplina del dibujo, pero Bonnat clausura sus cursos y Toulouse decide entrar en la academia privada de Cormon en 1883. Allí coincide con algunos pintores de su edad que intentan desarrollar el legado impresionista, sobre todo con Émile Bernard y Vincent van Gogh, del que hace un retrato y con el que traba gran amistad. Un año después abandona el estudio de Cormon y se instala en la Rue Fontaine, en el mismo edificio en el que trabajaba Degas. Aunque la estancia en la Rue Fontaine es breve, el contacto con la obra de Degas resulta definitivo para la orientación de su obra.
BOHEMIA EN MONTMARTRE
Lugar que tuve el honor de conocer muy bien ya que comencé mis estudios de pintura en este barrio de París, no puedo dejar de imaginarme en los 188... y tantos como sería Montmartre y París si en nuestros días y cuando yo estuve (1977) se sigue oliendo el óleo en las calles y sigue la típica bohemia parisina en todo su explendor.Siguiendo con Henri, por estos años, Toulouse empieza a frecuentar los cabarets y cafés cantantes de París y se familiariza con la bohemia artística polarizada en torno a Montmartre. Los cuadros de 1886 y 1887 empiezan a acusar su interés por los temas que le harán famoso, así como una pincelada fragmentada y nerviosa que delata sus contactos con el incipiente posimpresionismo. Sólo participa en exposiciones colectivas en París y provincias -a menudo con seudónimo- hasta que, en 1888, es invitado a participar en la de Los Veinte en Bruselas; este grupo, similar a las se cesiones austriacas y alemanas, acogía las más avanzadas tendencias de la pintura y las artes industriales en toda Europa. Toulouse será asiduo de sus exposiciones anuales hasta 1897, .cuando el grupo había pasado a denominarse La Libre Esthétique, certificando así sus vinculaciones con el modernismo. Sus éxitos en Bélgica y la amistad con su hermano le valen el interés de Theo van Gogh, que toma en depósito algunos cuadros para las galerías Baussod & Valadon y Goupil, para las que trabaja sucesivamente. Lautrec seguirá vinculado a esta última galería, gestionada después por su amigo de infancia Maurice Joyant.
EL ESTILO DE LAS ÚLTIMAS OBRAS
En 1897 sufre su primer ataque de delírium trémens, que le lleva a disparar con un revólver contra imaginarias arañas. Las crisis alcohólicas se suceden desde entonces y lo llevarán a ser internado dos años después; para demostrar que no está loco realiza de memoria toda una serie de litografías sobre el circo.
Los dos últimos años de su vida suponen un sorprendente cambio de estilo hacia una paleta más oscura y empastada. Su éxito comercial venía siendo creciente desde la
exposición individual en Goupil de 1896, aunque nunca eso le preocupó demasiado. El deterioro progresivo de su salud lo lleva en 1901 al castillo de Malromé, donde queda al cuidado de su madre, que lo acompañó en su lecho de muerte. Ella fue quien, tras el fallecimiento de su hijo, recopiló buena parte de la obra que hoy se conserva en el Museo Toulouse-Lautrec de Albi.
Su amigo y marchante Joytan sería el encargado de organizarlo para su inauguración, en 1922.
Gracias por los mensajes tan lindos!
La próxima clase seguimos con Post Impresionismo y mucho más!!! hasta pronto.
Prof. Claudia Nuñez
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